La esclavitud según McQueen


El frenético amo Epps es uno de los personajes más interesantes y perturbadores de la película

El amo Epps es uno de los personajes más violentos y perturbadores de la película

VALORACIÓN: 5/5

Pocas películas nos paralizan tanto como 12 años de esclavitud de Steve McQueen. El director británico nos sorprende con este drama histórico basado en la historia de Solomon Northup, hombre libre que fue vendido como esclavo y llevado al sur de los EEUU. Una historia llena de dolor, corrupción e instinto de superación.

McQueen, formado en el videoarte y el videoclip, hace uso de las técnicas de esos dos formatos para explicarnos esta horrible historia, un pequeño reflejo de lo que la esclavitud significó en los Estados Unidos. Aquí no hay ni parodia ni edulcorantes, sino la cruda realidad que miles de personas vivieron durante el siglo XIX en los Estados Unidos, símbolo de la libertad y la democracia.

La fascinante y melancólica banda sonora de Hans Zimmer te deja absolutamente tocado, por si las crueles imágenes a las que el director nos somete no fueran suficientes. Chiwetel Efiojor está de Oscar, al igual que el resto del reparto. A destacar la interpretación de Lupita Nyong’o, que puede dar la sorpresa el próximo día 12 en la gala de los Globos de Oro.

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Los Juegos del Hambre: En llamas


Katniss y Peeta en la gira promocional de los Juegos que realizan por Panem

VALORACIÓN 3/5

Otro año, nueva entrega de los Juegos del hambre. La saga escrita por Suzanne Collins sobre las aventuras de Katniss Everdeen llega a su segunda parte, En llamas. En esta entrega la relación ficticia entre la protagonista y Peeta se estrecha. El film repite la fórmula de su antecesora: 24 participantes de 12 distritos distintos, que deberán matarse entre ellos hasta que quede un solo ganador. Pero a diferencia de la primera parte, en esta segunda entrega habrá más violencia y horror.

Después de ganar los juegos del hambre y desafiar al capitolio, Katniss y Peeta recuperan el anonimato y vuelven al Distrito 12. Pero no por mucho tiempo. Los medios de comunicación y la población de Panem están ansiosos por saber más cosas sobre la pareja que se enfrentó al gobierno.

Jennifer Lawrence vuelve a liderar la saga juvenil con crítica a los medios de comunicación

Esta segunda parte es más complicada y a su vez, más larga. La historia se alarga demasiado al principio del film, generando una sensación de déja vu en el espectador. Los fans de la saga disfrutarán de la película, pero es innegable que le sobran unos 40 minutos para que todo encaje y ruede bien.

Todo parece indicar que el año que viene tendremos la tercera parte de la saga, que se dividirá en dos películas. Una tradición que todas las sagas juveniles parecen querer imitar.

Panfletismo afroamericano


La película está basada en una historia real

VALORACIÓN 2/5

Hacía tiempo que quería ver la que estaba considerada “una de las películas más esperadas del 2013” El mayordomo (The Butler), dirigida por Lee Daniels, quien después de explicarnos una historia de superación con Precious se atreve con el tema de los derechos civiles en Estados Unidos.

La lucha por la igualdad de razas nos la cuenta a través del mayordomo que trabajó en la Casa Blanca desde Roosevelt hasta Reagan. Fueron décadas de cambios sociales y políticos, vistos desde dentro y a su vez desde fuera. Su condición de afroamericano ya nos la remarcan al principio: hijo de esclavos y criado en una plantación sureña, su juventud fue difícil. Forest Whitaker hace uno de los mejores papeles de su vida, y es de esperar que le caiga una nominaciónn al Oscar. 

La caracterización de los presidentes americanos parece salida de la saga Scary Movie

Es esa condición de descendiente de esclavos la que marca el argumento de la película: la lucha del protagonista para conseguir un trabajo estable y la determinación de sus hijos para ser libres. Interpretaciones a parte (magnífica Oprah Winfrey en su papel de madre coraje), la película no destaca por su originalidad ni guión. Las caracterizaciones de los presidentes norteamericanos son lamentables, si no horribles, y más propias de la saga Scary Movie que de un drama producido por los hermanos Weinstein. A destacar negativamente John Cusack como Richard Nixon (parece una parodia barata) y la que quizás es la mejor caracterización: la de Alan Rickman como Ronald Reagan.

Otro punto a favor: la brillante banda sonora, repleta de himnos a la libertad y a la igualdad de razas. Temas Soul y Funk como Function at the Junction de Shorty Long y I’ll Close My Eyes de Dinah Washington.

Searching for Sugar Man, de Detroit a Ciudad del Cabo


Rodriguez ha pasado del anonimato a agotar entradas en todo el mundo

4/5

Hay un documental que ha revolucionado las salas de cine, algo impensable en 2013. Searching for Sugar Man, documental dirigido en 2012 por Malik Bendjelloul, cuenta la historia de Sixto Rodriguez, cantautor de Detroit que grabó dos álbums en la década de los 70. El documental nos narra la historia del “desaparecido” cantante a través de dos fans sudafricanos.  Rodriguez publicó ‘Cold Fact’ en 1970 y ‘Coming from reality’ en 1971, ambos sin éxito en los Estados Unidos. Después de su fracaso en la música desapareció. Incluso se rumoreó que se había suicidado sobre un escenario. Es difícil de entender cómo un cantautor con talento como él, un profeta de los sectores más marginados de la sociedad no arraigara en su país natal. Sí lo hizo en Sudáfrica, donde el misterio de su muerte fascinó a los jóvenes del país. El gobierno del apartheid o segregación racial de Sudáfrica era muy severo y la represión era brutal. La prensa y el arte estaban completamente controlados por el gobierno. La música de Rodriguez llegó de forma misteriosa, como el propio artista, quien no llegó a conocer a sus fans del continente africano hasta finales de los 90, cuando dos fans suyos recorrieron el mundo para saber si estaba vivo o no.

La historia de Sixto Rodriguez, quien ha sido comparado con Bob Dylan, es el resultado de la investigación de dos fans del cantautor

Sus canciones son crudas, sin tapujos ni aditivos. Rodriguez habla sobre el desamor, las drogas, y las dificultades de los inmigrantes en las grandes ciudades. La canción ‘I Wonder’ fue censurada en Sudáfrica al abordar el tema de las relaciones sexuales y se convirtió en el lema de protesta de la juventud del país; ‘Sugar Man‘ fue censurada por hablar de drogas. Su éxito le ha llegado a los 70 años, pero el cantautor de Detroit lo ve como una nueva oportunidad. El éxito que nunca tuvo de joven le llega en 2013, un año ajetreado para el artista: entradas agotadas en la mayoría de ciudades por las que pasa. Todos nos merecemos una segunda oportunidad.

Bert Stern (1929 – 2013), el ‘Mad Men’ de la fotografía


Pocos fotógrafos han pasado a la historia como lo hizo Bert Stern, artista norteamericano famoso por retratar a Marilyn Monroe por última vez, en 1962. El fotógrafo murió el pasado martes a la edad de 83 años, justo cuando hace unos meses se había estrenado el documental ‘Bert Stern: the original Mad Man’. Stern captó los rostros y personalidades de muchas figuras del Hollywood clásico de los 50 y 60, pero también se interesó por el mundo de la moda. Fue allí donde se codeó con importantes modelos como Twiggy e Iman. En la década de los 60 se convirtió en uno de los fotógrafos más codiciados del planeta: todas las modelos querían ser fotografiadas por él.

Campaña de Martini con una pirámide egipcia de fondo

Bert Stern empezó en el mundo de la publicidad, en el Nueva York de los 60, y rápidamente fue subiendo el escalón profesional liderado por tipos que más tarde inspirarían a personajes de Mad Men, aclamada serie de televisión de AMC. Stern llegó a ser uno de esos hombres: carismáticos, mujeriegos, con talento y creatividad, dos aspectos que llegarían al éxtasis con el consumo de drogas. El propio Stern aseguró en varias entrevistas que el consumo de drogas fue beneficioso y a la vez negativo para él. Su círculo de amistados y sus conocidos del mundo del espectáculo le suministraban LSD y ácido, dos estupefacientes que se popularizaron en esa época. Sus campañas para Martini y Revlon lo convirtieron en un fotógrafo de éxito, llegando a fotografiar a Gary Cooper, Marcello Mastroianni, Catherine Deneuve y, cómo no, a Marilyn Monroe. El idilio entre Marilyn y la cámara de Bert fue instantáneo. Las fotografías de Marilyn Monroe en 1962, semanas antes del suicidio de ésta, dieron la vuelta al mundo y causaron una gran controversia. 50 años después, estas instantáneas siguen siendo objeto de deseo de miles de aficionados a la fotografía, así como por fans del Hollywood clásico. La mirada de Marilyn, una mujer rota, sumida en la depresión, desnuda ante la cámara de Bert, quien supo captarla tal y como era, por dentro y por fuera.

Nos ha dejado uno de los grandes de la fotografía. Rest in Peace, Bert!

Twiggy

Jean Shrimpto

Marcello Mastroianni

Marilyn Monroe

El Gran Leonardo


Carey Mulligan y Leonardo Dicaprio

VALORACIÓN 3/5

‘El Gran Gatsby’ es una de las obras literarias más importantes de la cultura norteamericana. Describe el sueño americano, ese oasis perdido que todos parecen encontrar, pero que una vez dentro, resulta ser una farsa.

Baz Luhrmann adapta la novela de Francis Scott Fitzgerald a su manera. La estética sobrecargada y barroca se combina con una banda sonora postmoderna, muy alejada de la época en la que se ambienta el filme, los locos años 20. Pero aunque las canciones que suenan sean de Lana del Rey, Jack White y Jay Z, el mensaje es el mismo: la juventud vive el momento, una época de desenfreno, fiestas y alcohol, inmersos en un oasis de la riqueza y belleza, encarnado por Jay Gatsby. Leonardo Dicaprio se transforma en el enigmático personaje, un multimillonario que vive solo en su enorme mansión de Long Island.

El Gran Gatsby de Luhrmann se centra en los excesos y la decadencia de los locos años 20

La británica Carey Mulligan es Daisy Buchanan, la amante de Gatsby, con quien se reencuentra después de cinco años separados. Los tiempos han cambiado, y cada uno tiene su propia vida. O no. En esta adaptación poco importa la trama; las interpretaciones son las verdaderas protagonistas de la película, en especial la de Leonardo Dicaprio. Es una película que gira a su alrededor, a diferencia del libro, donde las subtramas de otros personajes tienen un peso importante. La banda sonora está presente en todo momento, convirtiéndose en un personaje más de esta trágica y pasional historia.

El Clan de los irlandeses


Sean Penn y Gary Oldman en una escena de la película

VALORACIÓN: 3/5

En la mafia, el honor lo es todo. Y no importan los lazos de sangre: la fidelidad es lo que importa. ‘El clan de los irlandeses’ (State of Grace) es una película de 1990 sobre la mafia irlandesa de Nueva York. Está protagonizada por unos jovencísimos Sean Penn y Gary Oldman, dos amigos que retoman sus lazos después de que el personaje de Penn vuelva a la ciudad de los rascacielos. Su mejor amigo forma parte del clan mafioso de los Flannery, familia que controla parte del barrio y que está liderada por el mayor de los hermanos Flannery, interpretado por Ed Harris. Pero como en toda película de mafiosos, surgen problemas entre clanes: los italianos y los irlandeses están a punto de cerrra un trato cuando de repente las cosas se complican.

Destaca la brillante interpretación de un jovencísimo Gary Oldman en el papel del hermano del capo mafioso

También hay escenas románticas entre Penn y Robin Wright, quien interpreta a la hermana del capo irlandés. La película está filmada en Nueva York, y aparecen edificios emblemáticos como los puentes de Brooklyn y Williamsburg. También muchos interiores de restaurantes de Little Italy, barrio italiano de la metrópolis.

Es una película distinta, ya que los protagonistas del film son irlandeses. Pero las historias son bastantes típicas en el género negro/criminal, cosa que no le aporta originalidad a la película. Gary Oldman está brillante, de Oscar. Su personaje es un tipo inseguro, emocional, y muy violento.

“Because you’re mine, I walk the line”


Reese Whiterspoon y Joaquin Phoenix como June Carter y Johnny Cash

VALORACIÓN 4/5

Johnny Cash es uno de los cantantes norteamericanos más prolíficos de la historia. Conocido como “The Man in Black”, Cash fue contemporáneo de Elvis Presley, rey del rock. Cash es el único cantante miembro de cuatro Hall of Fame musicales: gospel, rockabilly, rock and roll y country. Entre sus éxitos destacan ‘Hurt’, ‘Ring of Fire’ y ‘Folsom Prison Blues’. En 2005 James Mangold realizó un biopic sobre la carrera del famoso músico, natural de Arkansas, además de centrarse en su relación profesional y personal con la cantante de country June Carter. Joaquin Phoenix interpreta al cantante de country, que abandonó Arkansas para buscarse la vida en Tennesse. Memphis y Nashville eran (y aún lo son) las capitales del rock and roll y el country. El filme está perfectamente ambientado, y gira entorno a la pareja protagonista, interpretada por Joaquin Phoenix y Reese Whiterspoon. Los dos actores fueron nominados al Oscar, ya que su aproximación a los cantantes es casi idéntica, y además, cantan las canciones con su propia voz, algo que no pasa en todos los biopics musicales. Sólo Reese se llevó la estatuilla.

Cash y Carter, 1960’s

 La pareja de músicos vivió 35 años de feliz matrimonio, hasta la muerte de Carter en 2003

La pareja se conoció en la década de los 50, aunque Cash admiraba a Carter desde pequeño, ya que ella era hija de una familia de músicos folk sureño y ya desde niña actuaba en diferentes escenarios del país. Ambos estaban casados y tenían hijos, y durante la década de los 60 se fueron de gira juntos. En esa época y en esa zona del país, la moral cristiana pesaba mucho sobre la vida de los estadounidenses, y June Carter se convirtió en foco de todas las críticas del sector conservador y de la sociedad de la época debido a sus dos divorcios. Cash y Carter cada vez se amaban más, aunque no querían que eso perjudicara a su buena relación profesional. Pero en 1965 su concierto en Las Vegas desencadenó la pasión, y en 1968 la pareja contrajo matrimonio. Johnny había pasado una mala época, enganchado a la heroína, pero June lo ayudó a superar ese bache en su vida. Su matrimonio duró 35 años, hasta que en mayo de 2003 Carter murió de un problema en el corazón. Tres meses después, Johnny la siguió. Los dos están enterrados en las afueras de Memphis.

Abierto hasta el amanecer: la fiesta está servida


Estos hombres están listos para matar monstruos

VALORACIÓN 4/5

Una película de Robert Rodriguez es de lo más gamberro que hay. Sangre a borbotones, pistolas y escopetas, monstruos y seres paranormales…Todo condimentado con chicas despampanantes y personajes varoniles. ‘From Dusk Till Dawn’ (Abierto hasta el amanecer) cumple con todas estas normas estético-argumentales.

Dos atracadores quieren escapar de Estados Unidos. Dos hermanos muy, muy diferentes: George Clooney y un psicótico Quentin Tarantino. Cosas del destino, acaban secuestrando a una familia que se dirige a México, donde los atracadores deben ir para hacer negocios sucios. Este viaje los lleva a un bar de carretera muy sugerente que acabará cambiando sus vidas.

Impecable guión escrito por Quentin Tarantino, quien interpreta a un asesino de personalidad psicótica

La película es una especie de fiesta del horror vacuo: cuanto más, mejor. Y esta técnica funciona, sobretodo si va acompañada de un perfecto guión (escrito por el propio Tarantino) y una banda sonora que hace las delicias de los más melómanos.

Es un film gamberro, entretenido y con altas dosis de sangre y personajes bizarros. Y no a todo el mundo le gusta este tipo de cine. Las conversaciones parecen no llevar a ningún sitio, pero una vez vista la película se puede llegar a hacer buenas reflexiones posteriores. Pero sí, reconozcámoslo: nos gusta ver sufrir a los protagonistas.

Anna Karenina: pasión por el esteticismo


Keira Knightley vuelve a encarnar a una heroína de la literatura

VALORACIÓN: 3/5

¡Ah, el amor! Es un tema universal, tan y tan recurrente en la literatura clásica. Cosa que a muchos nos encanta. ‘Anna Karerina’ busca y sufre por amor, un amor llevado al límite. Novela escrita por Leon Tolstoi y considerada un clásico de la literatura rusa, ha sido adaptada en más de una ocasión para la gran pantalla (Greta Garbo y Vivien Leigh interpretaron a la trágica protagonista de la historia). Ahora es Keira Knightley -también conocida como la reina de las películas de época- quien se mete en la piel de Anna Karerina, una mujer infelizmente casada con un poderoso político en la Rusia Imperial (s. XIX).

Keira Knightley es indiscutiblemente la “Reina de las películas de época”: no hay nadie que encarne mejor a distinguidas mujeres de la alta sociedad de antaño

La película, dirigida por Joe Wright, director de ‘Orgullo y Prejuicio’ y ‘Atonement’ (ambas con Keira Knightley de protagonista) es un festín estético llevado al extremo. El film está filmado íntegramente en una sala de teatro, que va adaptándose a los distintos escenarios de la novela. Anna Karerina desafía las leyes de su época enamorándose de otro hombre, estando casada. El amante de Anna está interpretado por Aaron Johnson, joven actor conocido por su papel en ‘Nowhere Boy’; Jude Law se mete en la piel del marido de Anna, el señor Karerin. Otros secundarios de lujo son Kelly McDonald, Matthew Macfadyen y Emily Watson.

La película decae en algunos momentos, y al principio su peculiar (y original) puesta en escena distraen un poco, pero una vez se entra en el universo de Anna Karerina, el resto es pura belleza.